斯坦利·罗森，史蒂文·哈维美术项目的装置视图
雷切尔·尤恩斯/斯坦利·罗森在20世纪60年代和70年代作为一名雕塑家成长，当时陶艺家和雕塑家正在挑战绘画作为具有英雄意义的媒介在艺术界的霸主地位。他的雕塑是在一个适度的规模，有点矛盾，有点像纪念碑。他的形式语言融合融合了建筑，使传统方法适应新的表达方式。他用板坯、线圈、扇贝、圆盘和瓷砖。大多数作品都是用不同的泥土色调（赭石、锡耶纳石或木炭）上釉，让我们思考多孔或金属表面。最关键的是，罗森的形式适应了他们遇到和居住的空间限制，欢迎观众的到来。
2017年，史蒂文·哈维（Steven Harvey）美术项目（Fine Art Projects）继罗森在阿尔弗雷德陶瓷艺术博物馆（Alfred Ceramic Art Museum upstate）和本宁顿学院（Bennington College）的本宁顿博物馆（Bennington Museum）进行回顾之后，向纽约市观众介绍了罗森的作品，罗森自1959年以来一直在这里任教。在哈维的第二次展览中，他从60年代到90年代在罗森佛蒙特工作室四十年的作品中汲取了灵感。展览包括几艘高大的无釉船只。大多数是四边形的方形接缝，而不是圆形。它们的边缘往往朝着光线开放地弯曲，颠覆了雕塑作为岛屿围墙的传统角色。罗森还整合了扶壁、窗户和百叶窗，耐心地从地板到边缘垂直地构建压制、分段的表面，以便观众第一次看到它们时刚好在眼睛水平以上。
其他作品的柔和比例唤起了古代欧洲和亚洲的建筑模型，而它们的表面唤起了人们对阿纳萨齐和美洲土著住宅的外壳、草和茎、荆棘和泥巴或泥坯的回忆。以单层或多层的正方形比例，内部庭院与周围隔室交错，盘绕格子。虽然比人类规模小，但它们也非常容易接近。一些作品打破了框架、形式和重力的界限，仿佛是从一个不断变化的水流和新奇的压力的水环境中冒出来的。SR#124，半英寸高，感觉被束缚在海底，而SR#17，盘绕的绳索相互挤压，毫无束缚，迷失方向。他耐心、专注、巧妙地融合了土、水、火和石头等元素物质，既亲密又博大，这表明他在熟悉和陌生的环境中都有一种稳定而隐蔽的存在。
